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Café inspirado por el escritor gastronómico M.F.K. Fisher abre en Chicago

Café inspirado por el escritor gastronómico M.F.K. Fisher abre en Chicago

La cafetería y el bar cuentan con elementos de diseño que reflejan la costa de España.

mfk. restaurante en Chicago ya está abierto.

A principios de julio, el equipo de marido y mujer Scott y Sari Zernich Worsham abrieron mfk., Una nueva cafetería y bar entre Lakeview y Lincoln Park, que lleva el nombre del legendario escritor gastronómico estadounidense M.F.K. Fisher, cuyas obras autobiográficas han influido profundamente en el panorama de la literatura alimentaria.

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Según Crain’s Chicago, el restaurante de 700 pies cuadrados tiene capacidad para 28 personas y está "diseñado para reflejar la costa de España, con paredes encaladas, taburetes y sillas de metal y una barra de madera de sicomoro".

La cocina estará a cargo del chef ejecutivo Nick Lacasse, anteriormente de The Drawing Room. El menú del chef Lacasse se centrará en mariscos y verduras de temporada. La carta de vinos incluirá 14 blancos, siete rosados ​​y cuatro tintos, informa Crain's Chicago.

Fisher, el homónimo del restaurante, es autor de muchos libros fundamentales sobre escritura gastronómica, que incluyen Sírvelo adelante, Un alfabeto para gourmets, El arte de comer, y muchos otros. También es conocida por su traducción de Brillat-Savarin's La fisiología del gusto.

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Karen Lo es editora asociada de The Daily Meal. Síguela en Twitter @appleplexy.


& # x27Poeta de los apetitos & # x27: El arte de la comida

POETA DE LOS APETITOS Las vidas y los amores de M. F. K. Fisher. Por Joan Reardon. Ilustrado. 509 págs. North Point Press. $ 27.50.

Durante más de medio siglo, M. F. K. Fisher se ha clasificado como uno de los estilistas literarios más distintivos de Estados Unidos. Aunque su tema era la comida, no tenía por qué haberlo sido: podría haber estado escribiendo sobre relojes o árboles de Navidad, y hubieran hecho que su prosa flotara vertiginosamente en los reinos del amor, la muerte y el deseo, tal como lo hacían las mandarinas y las ostras.

Fisher era menos una escritora gastronómica que una fabulista, eligiendo como medio el más poroso de todos los géneros en prosa, las memorias. Los amantes de la comida han apreciado el trabajo de Fisher desde que apareció su primer libro en 1937, pero no fue hasta la década de 1980 y 27, cuando fue descubierta por una nación repentinamente loca por la cocina, que se hizo más conocida. Desde entonces hasta su muerte en 1992, presidió con cierto asombro un culto genuino. Los lectores se sumergieron felizmente en las mezclas de sensualidad y fantasía que se arremolinaban en sus páginas, y para muchos aspirantes a autores su estilo era irresistible. Un narcisismo embriagador, febrilmente mezclado con insinuaciones románticas, se convirtió en el nuevo modo en la escritura de comida evocadora.

¿Pero quién era ella? ¿Quién era esa misteriosa mujer sentada sola en un restaurante, saboreando una comida que había elegido con tanta astucia que los demás comensales, incluso los camareros, se quedaron atónitos? ¿Quién era ese narrador tan esquivo que solo podemos imaginarla con un velo? Cualquiera que alguna vez haya hecho esta pregunta, ya sea por placer o por irritación creciente, se abalanzará sobre Joan Reardon & # x27s & quot; El poeta de los apetitos: Las vidas y los amores de MFK Fisher & quot; El enfoque de Reardon & # x27 sobre su complejo tema es maravillosamente lúcido - ella es agradecida sin ser adoradora, y su prosa es tan elegante, sensible y digna que hubiera satisfecho incluso a un estilista como Fisher.

Reardon, cuyo libro anterior fue & quotM. F. K. Fisher, Julia Child y Alice Waters: Celebrating the Pleasures of the Table, & quot se ha empapado de los voluminosos escritos de Fisher durante años, y de alguna manera ella & # x27s emergió con su ingenio sobre ella. Fisher garabateaba constantemente (en diarios, cartas, montones de artículos de periódicos y revistas, docenas de libros) y la mayor parte de lo que acababa en forma impresa era vagamente autobiográfico. Sin embargo, como Reardon enfatiza desde el principio, la fidelidad a los hechos nunca fue el punto. La misma cena con amigos podría aparecer una y otra vez en el trabajo publicado de Fisher & # x27, reajustado cada vez para hacer un punto diferente. Escribió mientras cocinaba y por la misma razón: para crear, dice Reardon, y asignar cierto tipo de control sobre la realidad y poder sobre el que consumía ''.

La vida amorosa de Fisher & # x27 es un tema recurrente, especialmente su breve matrimonio con una figura oscura a la que llamó Chexbres; en realidad, Dillwyn Parrish, una artista que desarrolló la enfermedad de Buerger & # x27, una especie de flebitis crónica, y sufrió horriblemente hasta que tomó un revólver y se pegó un tiro. La angustia de Fisher fue inmensa, al igual que la inspiración que extrajo de ella. En los años posteriores a la muerte de Parrish & # x27 en el verano de 1941, escribió a menudo y de manera memorable sobre los idilios, la desesperación y las comidas de su tiempo juntos. La imagen del amante condenado a la muerte en la mesa se adaptaba bien a su imaginación, y estos fueron los episodios que llevarían a los devotos a su cabaña en St. Helena, California, 40 años después. En mi opinión, sin embargo, su mejor trabajo se inspiró en otra gran historia de amor: la de la comida. "Cómo cocinar un lobo", su atractiva respuesta a la cocina de la época de la Depresión, se mantiene mucho mejor hoy que la prosa envuelta en sus trágicos recuerdos.

Si Fisher constantemente extraía su pasado en su trabajo publicado, también se omitió un poco, como descubrió Reardon. Hubo, por ejemplo, un romance significativo que nunca se mencionó en forma impresa: una relación secreta con Marietta Voorhees, una profesora de teatro en St. Helena, a fines de la década de 1950 & # x27. También hubo angustiosas luchas con sus dos hijas, cuya educación estuvo lejos de la versión idealizada que Fisher ofreció a sus lectores. Quizás la escena más desalentadora en el libro de Reardon & # x27s tiene lugar durante la enfermedad final de Fisher & # x27, cuando su hija mayor, a quien Fisher hizo pasar públicamente como adoptada, aunque de hecho era su hija natural, pidió una vez más aprender sobre su padre y # x27s nombre. Fisher le dio la espalda a su hija en silencio y se llevó el secreto con ella.

Esta racha oscura y silenciosamente feroz en Fisher se reveló en otras ocasiones también, a veces con un giro que habría sido cómico si no hubiera sido tan aterrador. Le encantaba divertirse, por ejemplo, pero también le molestaba profundamente el sacrificio de su soledad y su tiempo de trabajo. En medio de este conflicto, un invierno, invitó a toda la familia a la cena de Navidad. "Ella lo sabía mejor", escribe Reardon, "pero rellenó el pavo con aderezo de ostras la noche antes de asarlo". . . y prácticamente todos terminaron el día festivo con calambres y náuseas & quot.

¿Quién era Mary Frances Kennedy Fisher? Una serie de contradicciones que durará toda la vida. Pero su mejor trabajo mantiene viva la sensibilidad de la joven, recién casada, que llegó a Dijon en el otoño de 1929 y fue descubriendo con entusiasmo el queso, la charcutería, el vino. Fisher, que aún no era un escritor profesional, no tenía oficio ni timidez literaria. "Es un arte y una religión, esta comida francesa, y yo ya soy una ardiente seguidora de la fe", le escribió a su hermana. Los conversos tienden a perder la cabeza y el corazón. Quizás no se necesite otra explicación para las pasiones y la prosa que siguió.

Corrección: domingo 19 de diciembre de 2004.Una reseña de un libro el domingo pasado sobre `` Poeta de los apetitos '', una biografía del escritor M. F. K. Fisher, se refería incorrectamente a la residencia de California en la que los devotos la visitaron después de 1971, en los últimos años de su vida. Fue en Glen Ellen St. Helena fue su hogar anterior.


Boxeadores y jugadores de béisbol

En los años previos a la Primera Guerra Mundial, los atletas llegaban al área de Springs para entrenar al aire libre, lejos de las tentaciones de la ciudad. Los boxeadores fueron de los primeros en llegar, y los periódicos de San Francisco cubrieron sus sesiones en el Valle de Sonoma.

El béisbol era muy popular en Sonoma y, a partir de 1913, el equipo de ligas menores de los San Francisco Seals comenzó a entrenar en Boyes Hot Springs. Jugaron contra equipos locales y en su primer año en el Valle, los Seals jugaron contra los Medias Blancas de Chicago en el parque de béisbol en Boyes. Las gradas estaban llenas de lugareños y forasteros, incluido (según la leyenda) Jack London. Los Focas se entrenaron en el Valle hasta 1950.


UTILICE CLARAS DE HUEVO PARA ACLARAR EL CALDO DE CARNE

R - Es fácil aclarar el caldo. Simplemente bata dos claras de huevo hasta que tengan picos suaves, luego revuélvalas en un caldo frío en una olla para sopa.

Pon el hervidor a fuego medio y sigue revolviendo. Cuando su caldo comience a hervir a fuego lento en los bordes, deje de revolver y déjelo hervir a fuego lento durante 10 minutos. A medida que hierva a fuego lento, la clara de huevo comenzará a coagularse y todos los pedacitos que flotan en su caldo serán recogidos por la clara de huevo.

Retirar la olla del fuego y dejar reposar a temperatura ambiente durante 30 minutos. Luego cuele a través de varios grosores de gasa.

Por cierto, su esposo no está solo en su amor por el caldo de carne. El escritor gastronómico M.F.K. Fisher afirma que "cuando estoy cansado y con frío y hambre, pobre o rico, prefiero beber un tazón de caldo caliente que enfrentarme a cualquier comida que se haya inventado".

Y se suponía que el rey Luis XIV era un consumado apócrifo loco, dice que ordenó a su cocinero que preparara una sopa lo suficientemente clara como para reflejar su propio semblante real.

P - Siempre que hago recetas que piden manzanas peladas, dice que ponga las manzanas en agua acidulada. ¿Qué es el agua acidulada?

R - El agua acidulada es agua a la que se le agrega una pequeña cantidad de ácido (vinagre o jugo de limón). Agregar 1 cucharadita de ácido a 2 tazas de agua hará que se acidifique. Su propósito es evitar que la fruta cortada, como peras o manzanas, se oscurezca de inmediato. Si la fruta está completamente sumergida, el agua acidulada mantendrá la fruta más ligera por más tiempo.

El agua acidulada también es un medio maravilloso para cocinar la coliflor, ya que la coliflor, incluso si es de un color amarillo pálido, se habrá vuelto blanca cuando esté cocida.

P: Tengo una receta que requiere una cazuela de vidrio oblonga de 2 1/2 cuartos de galón para pastel de chocolate. Solo puedo encontrar una cazuela de 2 o 3 cuartos. ¿Puedo usar cualquiera de los dos?

R - Use un molde para pasteles de metal de 9 por 13 pulgadas para hacer su pastel de 2 1/2 cuartos (el molde contiene exactamente esta cantidad de agua). Además, debe aumentar la temperatura de horneado del pastel 25 grados.

Ayuda: John Sweeney de Los Ángeles está buscando un duplicado casero de la bebida de naranja Julius. Está elaborado con jugo de naranja y leche en polvo, entre otros ingredientes.


Wolf lleva la cocina italiana con influencia del noroeste del Pacífico a Nueva York

Inside celebró el debut en la costa este del restaurador de Seattle Ethan Stowell.

Cuando Nordstrom anunció que iban a abrir una nueva tienda insignia en la ciudad de Nueva York en un momento en que la mayoría de las marcas están colapsando sus esfuerzos minoristas, fue un momento de interés tanto para los fanáticos de la marca como para los interesados ​​en la comida del noroeste del Pacífico. Ubicado en el segundo piso de los grandes almacenes se encuentra Wolf, la primera empresa de la costa este de ESR, el grupo de restaurantes del estimado chef y restaurador de Seattle Ethan Stowell.

Wolf toma tanto su nombre como muchos de los platos de su menú del restaurante de inspiración italiana How to Cook a Wolf de Stowell (una referencia al célebre escritor gastronómico M.F.K. Fisher). Los platos italianos de temporada, simplemente elaborados, de Stowell lo han convertido en un favorito local en Seattle, y han obtenido múltiples elogios y una cantidad significativa de elogios locales y nacionales.

Uno de los reclamos de fama de Nordstrom es su sólido programa de restaurantes a nivel nacional, que Vincent Rossetti, vicepresidente de operaciones de restaurantes de Nordstrom, dice que está impulsado por miles de empleados de restaurantes y está dirigido por una lista de chefs que desarrollan platos a nivel regional y nacional y ayudar a mantener la calidad en todas las ubicaciones de Nordstrom.

Wolf es un poco diferente de esos otros restaurantes, sin embargo, en que es una propiedad de Nordstrom pero está adjunto a un chef externo establecido. (Rossetti dice que Stowell tiene participación en el proyecto pero no es el propietario).

Stowell y Rosetti dicen que Wolf es el producto de una relación que se desarrolló naturalmente con el tiempo y nació de colaboraciones previas y una alineación de la filosofía culinaria. Stowell y Nordstrom habían colaborado anteriormente en cenas benéficas en Seattle (donde se encuentra Nordstrom) y, según Rossetti, "no hay muchos chefs más respetados que el chef Ethan". Ambos también dicen que su enfoque gastronómico, a nivel micro y macro, se centra en usar productos locales y presentarlos de una manera deliciosa y no demasiado elaborada.

Si bien Stowell ha estado íntimamente involucrado en la apertura de Wolf, el restaurante de 115 asientos está dirigido por Scott Siff, un antiguo empleado del grupo de restaurantes de Stowell a quien describe como "un gran cocinero y un buen líder". Siff, que ahora es empleado de Nordstrom, se mudó a Nueva York explícitamente para dirigir Wolf y el menú de cinco secciones del restaurante, que comienza con platos pequeños y progresa a ensaladas compuestas, pastas, entradas de carne y pescado y, naturalmente, termina con postres. principalmente de platos que ya existen en Seattle.

Si bien el menú de Wolf presenta una variedad de opciones, hay un claro énfasis en platos pequeños y pastas, con solo algunos platos principales más grandes a base de carne actualmente en el menú, como una ya popular hamburguesa con queso y tocino con cebollas rojas balsámicas y salmón real con aceite de chile de Calabria. con alcachofa, hinojo, aceitunas Taggiasca y gremolata y un gorro de wagyu americano con peperonata, alevines y salsa verde.

Un aspecto del menú que es digno de mención es su asequibilidad general. Las pastas en porciones generosas están todas en el rango de $ 20 y Stowell dice que esto se consideró cuidadosamente. "En este momento el mundo es caro y queremos restaurantes donde la gente se sienta cómoda pagando el precio para que puedan venir una o dos veces al mes. Intento fijar el precio de los menús donde los clientes quieren pagar", comparte Stowell. Esto significa que los comensales pueden probar platos como los agnolotti rellenos de ricotta en una salsa de salvia de mantequilla marrón con avellanas (pagfoto en la parte superior del artículo), y una ensalada hecha con trozos de centolla con remolacha tierna, mousse de aguacate, rábano y berros sin romper el banco.

El programa de bebidas de Wolf también es una importación de Seattle, y está dirigido desde lejos por Sennen David, quien cumple una doble función como vicepresidente de marketing y cultura de ESR y como director de bebidas. Los comensales encontrarán una amplia gama de cócteles y vinos, así como refrescos caseros sin alcohol con sabores como pepino, romero, almendra con orgeat, lima y menta y lima de granada.

El programa de cócteles de Wolf ofrece tanto estándares como una variedad de recetas personalizadas. Esto incluye The Ballet Slipper, una bebida elaborada con ginebra Botanist, Campari, albaricoque y jugo de limón. Su nombre es un guiño a la historia de Nordstrom como proveedor de zapatos y al hecho de que los padres de Stowell eran codirectores del Pacific Northwest Ballet.

En cuanto al programa de vinos de Wolf, David dice: "Creemos en apoyar a las personas que tienen grandes ideas y no necesariamente tienen la plataforma todavía". Esto significa que muchos de los vinos que se sirven en Seattle son difíciles de presentar en la costa este, ya que es posible que sus productores no formen parte de un sistema de importación más amplio (y complicado). A pesar de esto, el programa de vinos de Wolf ofrecerá vasos y botellas de productores más pequeños como Mark Ryan Winery y productores más grandes como Château Ste. Michelle, ambos de Washington. El programa de vinos también incluirá vinos selectos de California, Italia y Francia.

Imagen heroica de Melissa Hom.

Jacob Dean es un psicólogo y escritor de viajes y gastronomía independiente que vive en Nueva York. Tiene un doctorado en psicología y disfruta de los pequeños aeropuertos internacionales, las albóndigas y la celebración de cenas. También es alérgico a los saltamontes (los insectos, no la bebida mezclada).


Dónde comer en San Valentín y el Día de los # x27 en Tampa Bay

¿Sigues buscando la manera correcta de transmitir tus sentimientos a tu pareja este Día de San Valentín? Alguien inteligente dijo una vez que la comida es un símbolo del amor cuando las palabras son inadecuadas. Verdadero. El escritor gastronómico M.F.K. Fisher tenía un trillón de citas sobre la conexión directa entre el corazón y el vientre, la intimidad de compartir una gran comida. Entonces, cenar fuera debería hacerlo. Pero ten en cuenta que es el segundo día de restaurante más concurrido del año.

Esto requerirá pensar fuera de la caja. ¿Tiene que ser jueves? ¿Puedes adelantarlo al fin de semana? ¿Y tiene que ser la cena? Esto es lo que están haciendo algunos de los restaurantes más conocidos de Tampa Bay para celebrar los asuntos del corazón.

Aeropuerto Internacional de Tampa

Bueno, no todos son restaurantes per se. De 14 a 18 h. El sábado, el aeropuerto celebrará la gran inauguración de 69 nuevas tiendas y restaurantes en el tercer piso de la Terminal Principal del aeropuerto. (Esto es pre-seguridad). La entrada es gratis y los visitantes pueden estacionar gratis por menos de una hora en el Garaje a Corto Plazo. Piénselo: puede pasear y picar en todas las tiendas nuevas (se ofrecen muchos productos locales, desde pasteles La Segunda hasta Toffee to Go toffee y café Kahwa), luego ver los aviones despegar y aterrizar desde uno de los cuatro patios al aire libre . Romántico. Tómate una copa de champán y habla sobre el lugar al que te gustaría viajar. ¿Y si eres realmente romántico? Se engañan mutuamente y compran un boleto. La remodelación de la Terminal Principal y todas las concesiones del aeropuerto fueron parte de la primera fase de un programa de capital de tres fases diseñado para expandir la capacidad del aeropuerto a 34 millones de pasajeros anuales. 4100 George J. Bean Parkway, Tampa.

Metro Diner

¿Qué tal un pequeño desayuno para empezar el día? avec amour? Levántese y brille con platos como el gofre relleno de tarta de queso de fresa, o tostadas francesas con croissant, panqueques de canela o "Yo Hala en la plaza" (pan jalá grueso relleno con una mezcla de plátanos, azúcar morena, queso crema y jarabe de avellana, preparado como una tostada francesa y cubierto con una compota de arándanos y fresas). Ah, y las mimosas cuestan $ 2.99 hasta el domingo. 5250 Fourth St. N, San Petersburgo, (727) 324-6088 4011 W Kennedy Blvd., Tampa, (813) 364-0076.

La perla

Este antiguo restaurante romántico en Treasure Island está en su decimocuarto año y ofrece un menú especial de San Valentín que incluye sopa de langosta ($ 10), un martini de atún ($ 12), caracoles provenzales ($ 12) y Coquilles St.Jacques ($ 12), así como platos principales como enormes colas de langosta de Maine ($ 52), bullabesa ($ 32) y pato a la naranja ($ 29). Esas son todas las comidas románticas que hay. 163 107th Ave. (727) 360-9151.

Fleming's

¿Exactamente cuánto amas a tu amorcito? Este asador está haciendo algo un poco diferente este año. Puedes tomar un vino, cenar y sorprender a tu pareja con una cena extravagante y un obsequio especial de un joyero (para él o ella). La oferta se extiende hasta el domingo y, consiga esto, se ofrece a tres puntos de precio diferentes, cada uno con distintas opciones de champán y opciones de obsequios. El primer nivel ($ 350) incluye una cena de tres platos para dos, dos copas de Chandon Brut Imperial Champagne Moet & amp y el regalo sorpresa. El segundo nivel ($ 500) es una cena de tres platos para dos con una botella entera de Chandon Brut Imperial Champagne Moet & amp, más el regalo. Y luego, el nivel extraíble ($ 1,000) es un plato de tres platos con una botella de Dom Pérignon Brut Champagne y el regalo sorpresa. Hay elegantes amuse-bouches (vieiras braseadas, etc.), los entrantes incluyen una selección de sopa de champiñones con crema de trufa y tomillo o ensalada de remolacha con cebolla roja, pistachos, tomate Campari, queso de cabra y vinagreta de miel y lima. Los entrantes son un filet mignon. más una opción de cola de langosta del Atlántico norte o camarones colosales con salsa de mantequilla de hierbas y limón y de postre es un budín de pan de chocolate blanco servido con chocolate negro y crema batida con infusión de frambuesa y cubierto con salsa tibia de champán de frambuesa. 4322 W Boy Scout Blvd., Tampa. (813) 874-9463.

Parrilla de Bonefish

Esta cadena de mariscos está preparando un combo termidor de filete y langosta, su versión es un filet mignon al horno de leña y camarones gigantes cubiertos con trozos de langosta dulce en una salsa termidor cremosa, servida con la opción de dos acompañamientos, disponible hasta el domingo. También hay un nuevo martini Art-Sea (sabores tropicales de maracuyá, piña y cítricos frescos batidos con vodka Reyka y licor Aperol aderezado con algún tipo de arte comestible) y un pastel de lava de chocolate cubierto con fresas frescas y crema batida. Para conocer la ubicación más cercana a usted, visite bonefishgrill.com.

Eddie V

Camareros de esmoquin suaves. Música en vivo en el bar. Iluminación adecuadamente baja. Pienso en este lugar como romántico. Este año están haciendo un especial de San Valentín el miércoles. Elija del menú de mariscos y bistecs y obtenga trufas de Chambord gratis y una copa de Moet Brut Imperial o Moet Rose para compartir con su ser querido al final de su comida. Nada mal. 4400 W Boy Scout Blvd., Tampa. (813) 877-7290.

HEW Parlor & amp Chophouse

Este recién llegado al Fenway Hotel en Dunedin ofrece un menú romántico de cuatro platos a precio fijo para el Día de San Valentín. Hay una opción de aperitivo (ostras de agua fría, rabo amarillo en rodajas, tataki de ternera carbonizada, cerdo al estilo tasso, mousse de hígado de pollo o coliflor caramelizada), opción de sopa o ensalada, opción de entrada (pechuga de pollo a la parrilla, lomo de cerdo a la parrilla, pato pechuga, cobia escalfado en aceite de oliva, filete, lomo de cordero a la parrilla, risotto de marisco mixto o hacha de guerra (el plato principal determina el precio fijo, de $ 56 a $ 130) y la elección del postre (pastel de chocolate malteado, panna cotta de pera o degustación de queso ), servido de 17 a 22 horas 453 Edgewater Drive, Dunedin. (727) 683-5990.

Es otro menú de cuatro platos, este en una vena "del mar a la mesa", con una interpretación exclusiva de surf and turf que combina cola de langosta de Maine asada con mantequilla, filet mignon y pastel de cangrejo jumbo fresco por $ 99, que incluye la opción de aperitivo , sopa o ensalada y postre. El menú también incluye una serie de selecciones de sommelier y un gran puñado de divertidos cócteles. (Creo que sus cócteles son algunos de los mejores de la zona). El menú especial se ofrece hasta el domingo en la ubicación de Tampa. 4342 W Boy Scout Blvd. (813) 873-7697.


Desagradable: una investigación de los alimentos y la función subversiva de # 8217 en René Magritte y # 8217s The Portrait y Ma Gouvernante de Meret Oppenheim, mi enfermera, Mein Kindermädchen

La gente me pregunta: ¿Por qué escribe sobre comida, comer y beber? . . . Lo preguntan acusadoramente, como si yo fuera de algún modo grosero, infiel al honor de mi oficio. . . . [Su] ccede que cuando escribo sobre el hambre, realmente estoy escribiendo sobre el amor y el hambre de él. . . y calidez y riqueza y fina realidad del hambre satisfecha. . . y todo es uno. . . . Hay una comunión de más que nuestros cuerpos cuando se parte el pan y se bebe el vino. 1

A pesar de su importancia diaria —incluso la necesidad— la comida a menudo se ha pasado por alto, se ha dado por sentado, no se ha visto como forraje apropiado para quienes trabajan en las artes, y ciertamente no para quienes estudian las artes. El legendario escritor gastronómico M.F.K. Las palabras anteriores de Fisher, escritas en 1943, sugieren que esta actitud general es el caso entre los escritores entre y durante las guerras mundiales, contrastando el "honor" de escribir con una humildad implícita, indignidad e incluso menosprecio atribuido a la comida. Kenneth Bendiner sugiere que la comida ha corrido la misma suerte en las artes visuales: “Reconocemos el papel social de las comidas. . . . Pero el hecho de que la comida sea absolutamente común en la vida de cada persona todos los días del año hace que sea nada excepcional, mundana y que no valga la pena considerarla en profundidad ". 2 Hay una historia de la pintura de naturalezas muertas, sin duda, pero investigar más a fondo el papel de la comida en el arte parece relativamente mínimo y superficial en comparación con, digamos, el de la iconografía religiosa. En particular, parece que el arte relacionado con la comida en la primera mitad del siglo XX, y en el surrealismo en particular, no ha sido investigado en gran medida. Bendiner llega a hacer la generalización sin reservas de que, para muchos artistas de esta época, “el El espíritu alegre de la mayoría de los sujetos alimenticios destruye la gravedad psicológica necesaria para ser serio. . . investigaciones ". 3

En este ensayo, espero contrarrestar la afirmación de Bendiner de que la comida es intrínsecamente alegre y, por lo tanto, los artistas de este período la evitan, investigando la presentación y las implicaciones de la comida en dos obras de arte casi contemporáneas pero muy diferentes: el óleo de René Magritte El retrato (1935) (Figura 1) y el objeto "encontrado" recontextualizado de Meret Oppenheim Ma Gouvernante, mi enfermera, Mein Kindermädchen (1936) (Figura 2). Para estos dos artistas, la comida no es algo que satisfaga y reconforte, sino más bien una entidad familiar que se puede explotar para desafiar los supuestos culturales básicos, como parte de un movimiento más amplio.

De hecho, estas dos obras son productos del movimiento surrealista de las décadas de 1920 y 1930, que marcó el comienzo de un nuevo tipo de rebelión contra la sociedad. 4 Los surrealistas fueron radicales tanto en sus prácticas artísticas como en sus elecciones de estilo de vida, buscando representar lo que Salvador Dalí consideraba su “colosal responsabilidad nutricional y cultural” frente al patriotismo y conservadurismo que dominaba Francia y otros países cercanos en ese momento. 5 Si bien la experimentación sexual surrealista y la difuminación de los límites de género han sido bien discutidos tanto en el arte como en la vida de los artistas del movimiento, su enfoque de las rutinas diarias de comida y alimentación, aunque menos conocido, era iluminador y atípico por derecho propio. Un picnic organizado por Caresse Crosby en 1932 vio a figuras como Max Ernst y Julian Levy creando una película improvisada con el tema de un safari y participando en quizás la comida surrealista más infame: las langostas. 6 Leonora Carrington, en la casa que compartía con Ernst, su amante, era una notoria bromista gastronómica. Según Marina Warner: “podría cocinar una tortilla con el pelo cortado de la cabeza de un invitado mientras él dormía y servirle, o teñir el sagú de negro [con] tinta de calamar y untarlo con hielo picado y limón como caviar [sic.] para un coleccionista ". 7

Al igual que las payasadas de Carrington en particular, es a través de una manipulación tan inteligente de esta entidad cotidiana familiar y, por lo general, poco controvertida que las obras de Magritte y Oppenheim evocan preguntas muy polémicas y complejas. Sin embargo, a diferencia de las bromas de Carrington a los amigos, la subversión de la comida en el medio pintado desvía el acto del ámbito de la broma personal y lo pone en confrontación directa con el canon artístico, preservándolo de tal manera que se convierte en un enunciado descontextualizado con el que cualquier El espectador no relacionado puede interactuar. De manera más inmediata y efectiva, estas dos piezas juegan con la reacción visceral del espectador a la comida. Cualquiera que mire estos trabajos reconocerá los tropos de los alimentos preparados y presentados para el consumo, que normalmente despertarían el hambre de inmediato; sin embargo, el debilitamiento simultáneo de la comestibilidad agrava inmediatamente el apetito con disgusto. En esta priorización de la reacción corporal instintiva fundamental sobre las contemplaciones cerebrales que podrían seguir, estas obras se prestan a un examen no a través de los ojos del fundador del surrealismo, André Breton, sino a través del marco de Georges Bataille, el campeón de lo "encubierto". o surrealismo “disidente”. Los principios fundamentales del surrealismo de Breton están históricamente ligados a lo emotivo y lo cerebral, en particular al concepto poético de "amor", que priorizó en la poesía, el arte y la vida. Por el contrario, Bataille consideró que la rebelión de Breton no era suficientemente extrema y veneraba lo que llamó la bassesse—Un materialismo básico y vulgar, similar al individualismo instintivamente agresivo de Freud en su rechazo de la civilidad. 8 Y de hecho, a pesar de todos los lujosos adornos de la comida, quizás no haya un instinto más básico que el impulso de comer. Además, al construir un marco de referencia batailliano, también debemos investigar su noción de "heterogeneidad", es decir, un modo de interacción con el mundo de uno que no busca asimilarlo, o ser asimilado en él, sino que más bien se esfuerza por combinar componentes diversos, manteniendo sus identidades individuales para crear resultados dramáticos, a menudo sorprendentes. Exaltó las acciones que “tienen el poder de liberar elementos heterogéneos y romper la homogeneidad habitual del individuo”, creyendo que este estado de ruptura menos normativo es una fuente de mayor libertad individual y social. 9

Entonces, visto a la luz de la heterogeneidad, el interés de los alimentos no radica en su aplicación rutinaria como una entidad que debe consumirse y absorberse para sobrevivir, sino más bien como una fuente de alteridad, una causa de alteración del equilibrio del cuerpo. El propio Bataille aborda esta cualidad de los alimentos en su discusión sobre los subproductos heterogéneos del consumo:

La excreción se presenta como resultado de una heterogeneidad, y puede moverse en la dirección de una heterogeneidad cada vez mayor, liberando impulsos cuya ambivalencia es cada vez más pronunciada. 10

Sin embargo, en los dos ejemplos que analizaré, es la inherente inedibilidad de la comida representada lo que sustenta esta alteridad. Al emplear tropos culinarios reconocibles de su época, estas piezas permiten a los espectadores una ruta a las obras que es aparentemente familiar, pero luego las colocan en el ámbito de los humanos en lugar de los alimentos, y como material artístico en lugar de materia comestible. Como tal, las obras evocan pero socavan la naturaleza "habitual" de la comida. En estas extrañas representaciones, que hacen que lo familiar sea extraño, pero familiar de una manera diferente, Oppenheim y Magritte presentan sus propios ingeniosos experimentos de heterogeneidad. 11 Estas obras hacen que lo mundano sea extraordinario, lo serio, divertido, lo satisfactorio, insaciable y lo ineludible que se pasa por alto, de maneras que mantienen en lugar de resolver una miríada de tensiones en la sociedad europea de entreguerras, desde los tabúes corporales relacionados con la sexualidad y el consumo hasta preocupaciones intelectuales y emocionales. como roles de género y relaciones familiares. En resumen, desafían al espectador a encontrar el gusto por lo desagradable.

ERES LO QUE COMES: RENÉ MAGRITTE’S EL RETRATO

[El ojo es] el objeto de tal ansiedad que nunca lo morderemos. 12

Ojo: delicadeza caníbal. . . . [Un] joven que por casualidad sosteniendo en su mano una cuchara de café, de repente quiso echarle un ojo a esa cuchara. 13

Ambas citas son de la entrada de "Dictionnaire Critique" de Bataille en "Eye", publicado en la revista surrealista Documents en 1930. Aunque aparentemente contradictorio, la tensión entre estas dos ideas está en consonancia con la veneración típica de Bataillian de todas las cosas incómodas, y el consumo de ojos es una alusión recurrente en su novela de 1928 Historia del ojo. 14 Aquí, sin embargo, deseo examinar cómo esta interacción entre la repulsión y la atracción por el consumo ocular se manifiesta en la pintura de René Magritte de 1935 El retrato, y cómo esta pieza encarna la propia creencia de Magritte en el surrealismo como "el enemigo indomable de todos los valores ideológicos burgueses que mantienen al mundo en su espantosa condición actual". 15

A primera vista, El retrato ciertamente evoca obras de arte más tradicionales relacionadas con la comida, en particular la naturaleza muerta. Esto se debe en parte a la austeridad y el anonimato de estilo de la pieza, que se deriva de la simplicidad de la presentación reducida. 16 La escasez de la composición hace que esté muy lejos de los cuentos de advertencia de exceso que a veces se ven en obras de arte, como en 1490 de Hieronymous Bosch Alegoría de la gula y la lujuria (Figura 3). Lejos de ser entidades abstractas, la relativa verosimilitud de la copa, el jamón, la cubertería y el vino hacen que parezcan, en otro contexto, como si se pudieran encontrar en una pintura convencional de una mesa de comedor, o incluso en una mesa. mesa de comedor en la casa de una familia promedio en la década de 1930 en Francia o Bélgica. Sin embargo, de acuerdo con la propia rebelión de Magritte contra la tipicidad y, en consecuencia, manteniendo una veneración batailliana de la heterogeneidadEl retrato es, de inmediato, cualquier cosa menos una comida típica. La configuración se elimina por completo de cualquier contexto, estos objetos no están situados dentro de una habitación más grande, sino que se presentan en una superficie sobre un fondo azul liso. 17 En consecuencia, la escena existe en un entorno casi onírico, potencialmente ficticio, que no es simultáneo en ninguna parte ni en ninguna parte. Además, prácticamente no hay sensación de recesión en el espacio, y los objetos casi parecen estar apilados verticalmente uno encima del otro en lugar de estar colocados en una superficie horizontal, lo que lo aleja de la tradición del escenario de naturaleza muerta localizable. 18

Y luego, o más exactamente, en primer lugar, está el ojo que mira, boquiabierto en el centro de la loncha de jamón. Los ojos se representan comúnmente a lo largo de la obra de Magritte, quizás el más famoso en su pintura de 1929 El falso espejo, que muestra un ojo agrandado con un cielo azul nublado que reemplaza al iris monocromático. Algunos han argumentado que los ojos pintados de Magritte, alejados de su entorno facial y divorciados de sus parejas, actúan como entidades omnipotentes, lo que recuerda la tradición judeocristiana del ojo que protege del mal, o el ojo de Cristo que todo lo ve. 19 Aquí estoy más interesado en la transformación del ojo en El retrato en un objeto de consumo potencial pero frustrado, en una interpretación compleja del canibalismo sugerido en un medio inherentemente impenetrable e irreconciliable de pintura sobre lienzo.

El puro absurdo del ojo en una escena reconocible y muy familiar hace que sea bastante gracioso a la primera vista. 20 Sin embargo, yo diría que es al mismo tiempo, y de manera más penetrante, profundamente inquietante. Para volver a invocar a Bataille, el pensador surrealista consideraba que la mutilación ocular era “la forma de sacrificio más espantosa”, una declaración bastante superlativa para un extremista así, y una declaración que dice mucho sobre la perturbadora potencia de esta acción. 21 A pesar de, o más probablemente debido a, su potencia aprensiva, el tema fue revisado con frecuencia por los surrealistas, quizás de manera más infame en la escena en la que se corta el ojo de una mujer en la película de 1929 de Dalí y Luis Buñuel Un chien andalou (Figuras 4). , 5). 22 El retrato, como su predecesora cinematográfica, es particularmente inquietante en su retrato de un ojo humano, que aquí no solo se presenta para la mutilación sino para el consumo. De hecho, el ojo en esta pintura, a pesar de su entorno porcino, ciertamente parece humano en su forma reconocible y su iris de color claro. El propio Magritte proclamó que "un pintor es mediocre si no le da una consideración especial a la importancia de los ojos de su espectador", y con ironía acepta su propio desafío aquí. 23

Es esta confrontación entre el ojo pintado y el ojo del espectador lo que plantea una confusión de límites particularmente preocupante. Al abordar la mirada inquebrantable del ojo con su propio ojo, el espectador establece simultáneamente una conexión con la imagen pintada como si fuera su propio ojo, una cualidad que solo subraya el título de la pintura como retrato, pero sin una identificación nominal específica. Si, como afirma Norman Bryson, "la naturaleza muerta niega todo el proceso de construcción y afirmación de los seres humanos como el foco principal de representación", 24 Magritte ha dado vuelta con éxito a esta tradición académica, provocando un inquietante renacimiento del término medieval ". carne ". 25 Al mismo tiempo, debe considerarse lo inverso de este supuesto. Si el ojo pintado puede equipararse con el espectador en algún nivel, entonces el espectador puede identificarse igualmente con el ojo pintado, sustituyendo su propia cara por el trozo de jamón del plato. De esta manera, Magritte complica aún más las convenciones académicas, socavando aquí cualquier idealización asociada con el retrato. En cambio, no solo tenemos carne, sino específicamente una cara hecha carne, convertida en bestial, perecedera e incluso potencialmente comestible. Esta problemática identificación mutua agrega no solo canibalismo sino automutilación a la compleja tensión de Bataille que rodea al consumo ocular.

Si Magritte plantea una cuestión ética de "¿comer o no comer?", En última instancia se vuelve puramente hipotético, porque El retrato es, fundamentalmente, pintura sobre una superficie de lienzo disponible para consumo visual pero nada más. 26 Magritte exploró con frecuencia esta distancia entre representación y objeto en su trabajo. Desde el principio de su carrera, su famosa pintura La traición de las imágenes (1929) (Figura 6) presenta una pintura realista de una pipa, pero luego declara que “Esto no es una pipa”, dejando que los espectadores determinen cómo clasificar lo que ven ante ellos. En un contexto más culinario, su obra de 1936 Esto es un trozo de queso (Figura 7) hace una declaración inversa. Consiste en una pintura de gruyere colocada bajo una cúpula de queso de vidrio, que adquiere así cualidades de queso, pero nadie lo confundiría con un producto comestible. En estos ejemplos, Magritte destaca la disyunción entre, en lugar de la fusión de, significado y significante, mientras que la audiencia es libre de participar visualmente, existe una incapacidad inherente para que ellos literalmente consuman o subsumen estos objetos pintados y escultóricos. En El retrato, el artificio y la imposibilidad de consumar cualquier acto sugerido se subraya aún más por la idiosincrasia de los otros pocos objetos: el tenedor al revés se encuentra en el lado equivocado del plato el cuchillo de mantequilla no es el implemento esperado para cortar carne la botella de vino , sin copa de vino, se sienta junto a un vaso de agua vacío.

Tiempo El retrato evoca toda la ansiedad batailliana de los ojos devoradores, agravada por la autoidentificación del espectador con el ojo hecho comestible en el plato, la integridad de la pieza implica e incapacita simultáneamente a los espectadores que deben tener en cuenta sus tensiones. Porque aunque el cuadro trata de cuestiones de consumo, Magritte ha incapacitado la boca del espectador a través de su medio pintado. En cambio, nos vemos obligados a ingerir la pieza a un nivel puramente visual, lidiando con el desafío del ojo que mira fijamente para considerar qué es lo que estamos viendo y la inquietud que esto evoca. Debemos dirigirnos a este ojo, pero como sea que lo interpretemos, como amenazante, como atrapado, como paródico, como omnipotente, o cualquier combinación de los mismos, somos incapaces de dominar o alterar esta escena estática e inquebrantable, confiando en poco más que las insinuaciones de la obra. humor para templar su malestar. Como espero mostrar ahora, es una defensa similar de lo irreconciliable e indomable, una vez más a través del encuentro íntimo del espectador con imágenes de comida altamente reconocibles, lo que hace que Meret Oppenheim Mi enfermera una pieza tan enigmática de escultura surrealista, y otro potente ejemplo de heterogeneidad batailliana.

EL DERECHO A LOS ZAPATOS: MERET OPPENHEIM’S MA GOUVERNANTE, MI ENFERMERA, MEIN KINDERMÄDCHEN

No hay comunicación más profunda, dos criaturas se pierden en una convulsión que las une. Pero se comunican solo perdiendo una parte de sí mismos. . . . [La] integridad heredera se dispersa [s] en el calor de la excitación. 27

La descripción de Bataille del amor físico es sorprendentemente aplicable al objeto de 1936 de Meret Oppenheim Ma Gouvernante, mi enfermera, Mein Kindermädchen. Dos zapatos blancos de tacón alto se amarran, rematan con volantes de papel y se "sirven" a los espectadores en una bandeja de plata, adoptando, en su estado unido, la forma de una especie de plato de pollo poco apetitoso. Sin embargo, además del entorno culinario, My Nurse ocupa su lugar en una compleja tradición histórica social y artística que rodea la objetivación y disponibilidad de los cuerpos de las mujeres. Aunque puede leerse como un pavo, el título de la pieza, como el de Magritte, y su composición a partir de un calzado decididamente femenino, también permiten ver la obra como una mujer postrada, sin cabeza, con las piernas sugestivamente hundidas. 28 Estas simultaneidades dan como resultado un ingenioso doble sentido visual que plantea y desafía una variedad de cuestiones sobre los modos de consumo visual, comestible y corporal, de formas similares y diferentes a la pintura de Magritte del año anterior.

Tomando como punto de partida la posición de Oppenheim como miembro femenino conscientemente activa y empoderada del movimiento surrealista, primero podemos abordar Mi enfermera en relación con el vínculo más básico entre la mujer y el consumo: el acto de amamantar. 29 Como la manifestación más literal del papel de la mujer como madre y cuidadora, esta conexión tiene largos precedentes históricos en el mundo medieval, "la mujer era alimento porque la leche materna era el primer alimento del ser humano, el único alimento esencial para la supervivencia". 30 La primacía y la expectativa de que los niños fueran amamantados seguía siendo ciertamente la actitud aprobada en la Francia de los años 30, ya que “en los años de entreguerras, la Iglesia [en colaboración con el estado] fue particularmente activa para alentar a las mujeres a quedarse en casa y formar familias”. 31

Sin embargo, para el joven Oppenheim, uno siente que esta opción estaba lejos de ser deseable, y Jennifer Mundy observa que muchos surrealistas encontraron los “grilletes ideológicos contemporáneos en el comportamiento sexual”. . . suficiente para provocar en los surrealistas hostilidad hacia la maternidad y la crianza de los hijos ”. 32 De hecho, este es un tema destacado también en las teorías psicoanalíticas de la época, que inspiraron y fueron a su vez inspiradas por el surrealismo. Aunque la suya es una visión polémica, Freud asoció mucho la lactancia materna con la sexualidad, afirmando que para el bebé, "la satisfacción de la zona erotógena está asociada, en primera instancia, con la satisfacción de la necesidad de alimentación". 33 Melanie Klein, quien promueve esta conexión, afirma que “el deseo [de la pequeña hija] de chupar o devorar el pene se deriva directamente de su deseo de hacer lo mismo con el pecho de su madre para que la frustración que sufre por el pecho prepare el camino por los sentimientos que despierta su renovada frustración con respecto al pene ”. 34

A través de su arte, la propia Oppenheim vincula la satisfacción nutritiva y sexual, lo que implica que si se niega la primera, la segunda también lo será, un gran contraste con la firme separación entre la sexualidad y la maternidad tan prevalente en ese momento. En una acuarela temprana, Cuadro votivo (ángel estrangulador) (1931) (Figura 8), el “ángel” parece estar alejando a la fuerza al niño de su pecho, ella está estrangulando al bebé y siendo estrangulado por él. 35 Igualmente anti-maternal es su dibujo de 1933 Un niño con alas chupa el pecho en forma de ubre de una mujer (Figura 9). Aquí, tanto las figuras infantiles como las madres son demonizadas, la relación entre ellas parece más parasitaria que simbiótica. Siguiendo en esta línea, Mi enfermera puede verse como una negación de la lactancia materna y, como tal, la consumibilidad femenina. Alyce Mahon ha comentado que gran parte del trabajo de Oppenheim "fusiona lo doméstico y lo erótico, y su compatibilidad en las mujeres", y este trabajo une a esos dos junto con lo comestible. 36 El mismo título enfatiza la ausencia del seno el objeto no es una madre, sino una enfermera o, más exactamente según el título por triplicado, una institutriz, es decir, una figura materna que no realiza ni realizó la tarea fundamental. de la lactancia. 37 Para socavar aún más cualquier comestibilidad de la pieza, Oppenheim utiliza un objeto hecho de cuero —en sí mismo un producto de una vaca, situado dentro del ámbito del consumo occidental— pero hecho completamente desagradable. La vaca se reduce meramente a su piel dura y procesada, su incomestibilidad resaltada por los adornos de papel frívolos igualmente poco apetitosos que se usan típicamente para decorar pavos.

Además, una investigación adicional llama a la cuestión de la sumisión de Mi enfermera en cuestión. Es cierto que este objeto femenino se presenta tendido de espaldas, pero esta posición de impotencia es una que Oppenheim complica en gran parte de su obra. En su pintura de 1938 Él mece a su esposa (Figura 10), una hembra de armadillo yace sobre su espalda, a merced del macho de armadillo. Parece incapaz e infantilizada, pero el espectador también puede preguntarse si está disfrutando que su marido la atienda. La cuestión de si se trata de un acto de fuerza, un gesto de bondad o incluso un caso de servidumbre por parte del marido sigue sin resolverse.

Además, la pose invertida saca a la superficie las suelas de los zapatos. Contrariamente al blanco virginal del cuero del zapato, las suelas apenas son prístinas. Raspados y gastados, revelan un vientre sucio y deslustrado que generalmente está oculto, pero cuya visibilidad aquí es muy significativa. Además del hecho de que la comida y la suciedad son entidades intrínsecamente incompatibles, lo que subraya aún más la incomodidad del objeto, la presencia de suciedad se convierte en un desafío adicional para el orden social convencional. Como sostiene la antropóloga Mary Douglas, "Como la conocemos, la suciedad es esencialmente desorden". 38 Además, clasifica lo "sucio" como perteneciente a "una categoría residual, rechazada de nuestro esquema normal de clasificaciones" en su alteridad, afirma, la suciedad se vuelve transgresora y "el peligro que corre el riesgo de traspasar fronteras es el poder". 39 Aunque Douglas estaba escribiendo varias décadas después Mi enfermeraEn su creación, sus ideas resuenan tanto con el trabajo de Oppenheim como con otros surrealistas. Douglas se hace eco de los escritos anteriores de Freud, bien conocido dentro de los círculos surrealistas, quien afirmó en La civilización y sus descontentos: "La suciedad de cualquier tipo nos parece incompatible con la civilización". 40 Además, en su ensayo de 1930 "Peligro de contaminación", Max Ernst utilizó la imagen de la suciedad para condenar los códigos sexuales de la Iglesia. 41 Según Jennifer Mundy, “Si 'contaminación' era un eufemismo común para la masturbación, Ernst cambió las tornas. . . [para sugerir] que si algo había pervertido y 'contaminado' las actitudes hacia el sexo, era la Iglesia ". 42 Esta inversión es absolutamente crítica. Si, como propone Denis Hollier, el simbolismo de la "mancha" en la terminología religiosa "designa los resultados de la caída, que para la humanidad es una mancha indeleble", Ernst, Bataille y, de hecho, Oppenheim han dado la vuelta a este concepto citando castidad forzada y el rechazo de la lujuria y el amor corporales naturales como el verdadero peligro para la humanidad. 43 La suciedad se convierte así en una declaración poderosa, un abrazo de la sexualidad y un desafío a su clasificación como tabú. 44 Si la limpieza está al lado de la piedad, los surrealistas prefirieron adorar en la iglesia de los charcos de barro.

Pero lo que es más importante, a pesar de la suciedad "rebelde", los zapatos están bien atados, lo que aumenta aún más las tensiones entre la libertad y la moderación, un tema recurrente en toda la obra de Oppenheim. Las representaciones de ataduras y restricciones son particularmente prominentes en sus diseños de moda: dos manos juntas se convierten en una hebilla de cinturón, y dos piernas de niña incorpóreas se cuelgan alrededor del cuello del usuario para formar un collar espeluznante (1936) (Figuras 11, 12). Estos objetos evocan ser estrangulados o exprimidos pero, simultáneamente, las delicadas manos y pies se vuelven, en su capacidad decorativa y facilidad de remoción, algo menos amenazadoras. 45

En el caso de Mi enfermera, es la atadura de los zapatos que, en un giro brillantemente irónico que no puede evitar invocar admiración por la inteligencia de Oppenheim, mantiene su potencia heterogénea e irreconciliable. A través de la presentación de Oppenheim, dos zapatos sueltos pierden una parte de sí mismos, para usar la terminología batailliana, y se convierten en un objeto subversivo, un símbolo sugerente de la sexualidad "desviada". De hecho, My Nurse, en su sucia inversión, invita a los espectadores a unirse a su estrecho abrazo en las propias palabras de Oppenheim, "La cosa. . . invoca. . . la asociación de muslos apretados juntos de placer. De hecho, casi una "proposición" ", lo que agrava las sugerencias de las suelas sucias con la composición general del objeto. 46 Sin embargo, como la inherente indomabilidad de la pintura de Magritte, participar literalmente en Mi enfermera sería eliminar su identidad, deshacer el hechizo irresistible de la recontextualización, convertir la forma enigmática de nuevo en dos zapatos viejos y sucios. My Nurse, protegida por las medidas de seguridad del Moderna Museet de Estocolmo y por su condición de objeto de arte de valor incalculable en general, evoca en los espectadores un apetito sexual y culinario complicado que nunca podrá consumar, como el de Magritte. Retrato permanecerá para siempre mirándonos en un desafío desafiante. Viendo Mi enfermera en este contexto, nos queda el anhelo de responder al perturbador y silencioso canto de sirena de esta figura, que despierta tantos de nuestros instintos básicos, desde el hambre al humor, pasando por la repulsión y el deseo. Pero, en última instancia, debemos alejarnos del objeto que sigue teniendo en cuenta estos impulsos, "completamente diferente" de la entidad que tenemos ante nosotros, con más preguntas y dilemas que respuestas.

DIGESTAR LA DISCUSIÓN: UNA CONCLUSIÓN INCONCLUSIVA

Una forma de ver ambos El retrato y Mi enfermera es a través de sus presentaciones finales de una indistinción deliberada y pronunciada de identificación. En un nivel, esto confiere al ojo del espectador un papel de consumo batailliano, mientras que al mismo tiempo, al defender la indistinción, hace que el papel del ojo sea intrínsecamente incompleto. Además, la irresolución de los argumentos y emociones en conflicto que suscitan, fusionando lo familiar, inquietante, seductor y repugnante, los relaciona con la noción de heterogeneidad de Bataille, como se analiza a lo largo de este artículo. Sin embargo, si llevamos esta concesión a la teoría batailliana un paso más allá, podemos entender cómo estas dos obras se relacionan con el concepto surrealista de lo "sagrado". Ambas piezas se relacionan con lo "extranjero e impactante", que está implícito en la definición de lo sagrado de Bataille, pero hay otra dimensión importante de su consideración, una que tiene sus raíces en Freud. 47 En su análisis de los conceptos de “sagrado” y “alto”, Freud enfatiza su etimología, explicando: “En latín, altus significa sacer alto y profundo, santo y condenado ". 48 Esta combinación de opuestos percibidos informa directamente el uso que hace Bataille del término, en el que cuanto más básicamente instintiva es una idea o acción, más venerada se vuelve, sin un pináculo aparente de ninguno de los dos conceptos. La explicación de Denis Hollier de este sistema de creencias es fundamental para comprender sus ramificaciones: si, como él propone, lo alto / sagrado y lo bajo / bajo son cada uno una «comparación absoluta, un comparativo sin referente, un comparativo que en sí mismo disuelve lo común». medida ”, luego“ uniendo estas dos transgresiones. . . resulta en disolver la brecha que garantizaría la distinción entre alto y bajo ". 49

En última instancia, es precisamente esta disolución de los absolutos y, fundamentalmente, su mantenimiento, lo que tiene una importancia primordial para el funcionamiento de estas piezas. Las reacciones instintivas que tenemos a estas dos obras son de hecho opuestas, pero parecen perder sus cualidades relativas de "positivo" y "negativo" cuando nos encontramos, a través de las manipulaciones de los alimentos, en este nuevo reino de familiaridad pervertida. He tratado de dejar claro a lo largo de este artículo que el objetivo surrealista más amplio de socavar los sistemas sociales rígidos de clasificación informó e inspiró mucho a los artistas en cuestión, tanto Magritte como Oppenheim, creo, apoyaría la afirmación de Bataille de que “ya es hora de que la naturaleza humana deje de estar sometida a la vil represión del autócrata ya la moral que autoriza la explotación ”. 50 Pero espero que se haya demostrado igualmente que no es mi objetivo en este artículo ni el de los artistas en sus obras proponer una solución unificada, cohesiva o decisiva al enemigo autocrático de Bataille, sino más bien proporcionar una muestra de los diversos posibles alternativas sugeridas por la implementación de los alimentos como una herramienta en este esfuerzo surrealista más amplio. Sin embargo, además de este proyecto macrocósmico, estos artistas han pedido una reevaluación de una de las actividades más cotidianas y personales al complicar el acto básico de comer.

De hecho, si nos basamos en el proyecto batailliano de lo sagrado, podemos comprender un punto fundamental sobre la rebelión de estos artistas: al romper los límites existentes de moralidad e inmoralidad, vicio y virtud, buscaron no volver a trazar tales clasificaciones en sus propios términos, pero para mantener el estado liminal de destrucción y subrayar la artificialidad de tales categorías en primer lugar. Según Lenore Malen, "en un universo sadeano de diferencias abolidas, todas las cosas vuelven al caos, a los excrementos". 51 O, volviendo al propio Bataille, “La misma naturaleza. . . de Dios y los excrementos, no debe escandalizar el intelecto de nadie ". 52

En este sentido, el contraataque de lo que Dalí veía como el “alimento espiritual y simbólico que el catolicismo ha brindado a lo largo de los siglos para el apaciguamiento de. . . hambre moral e irracional ”no es un reemplazo de las doctrinas de la religión alimentadas a la fuerza por un dogma unificado del surrealismo, sino una exaltación de las elecciones individuales basadas en la satisfacción instintiva y el cuestionamiento desinhibido (y a menudo incontestable), una combinación que busca romper nuestros superyó auto-represivos que se han formado en respuesta a los mandatos de la civilización. 53 Y es, al parecer, a través de esos placeres corporales cotidianos, que incluyen en gran medida el acto de comer, que los surrealistas creían que se podía producir un verdadero cambio.

Lo que todas estas obras exigen, por tanto, es una “participación” batailliana, no solo de los artistas, sino también de los espectadores, que deben lidiar con estas contradicciones sin esquemas preaprobados de afirmación y condena dictados por la religión y la sociedad. 54 Por lo tanto, el ojo de Bataillian puede equipararse con el ojo del espectador, no solo observando, sino también participando activamente y desafiando lo que consume. Como tal, los roles más amplios del artista y el sujeto requieren una reevaluación. Freud comentó que la apreciación del arte era el epítome de la satisfacción indirecta, calificándola de "un disfrute que, por la agencia del artista, se hace accesible incluso para aquellos que no son creativos". 55 Sin embargo, al devolver las decisiones finales al espectador, el artista surrealista se convierte no en una fuente definitiva de placer, sino en el forraje y el alimento con el que buscarlo, alimentando la determinación de los espectadores de plantear sus propios desafíos a la sociedad a pesar, o quizás debido a su incapacidad para reconciliar sus propias ansiedades sobre el espectador, la ingestión y el consumo.En este reencuadre, el artista se involucra con su audiencia en lo que Carter Ratcliff considera "ceremonias de ingestión mutua". 56 Tal como lo vio Dalí, los surrealistas estaban allí para la toma caníbal:

Uno podría intentar comerse a los surrealistas también porque los surrealistas somos el tipo de comida de buena calidad, decadente, estimulante, extravagante y ambivalente que. . . resulta adecuado para el estado de juego, paradójico y suculento truculento que es propio y característico del clima de confusión ideológica y moral en el que tenemos el honor y el placer de vivir en este momento. 57

Por lo tanto, al consumir a estos surrealistas, participamos en un nuevo tipo de comunión, una que no exige la deglución o asimilación de un conjunto de creencias reglamentadas, ni promete salvación o consuelo, más bien, en la reverencia de un nuevo tipo de sagrado. , nos implica a masticar, digerir, tragar o escupir esta alteridad según los gustos de nadie más que el nuestro.

ILUSTRACIONES

Figura 1: René Magritte, El retrato, 1935. Óleo sobre lienzo. 73,3 x 50,2 cm. Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York, Estados Unidos.

Figura 2: Meret Oppenheim, Ma Gouvernante — My Nurse — Mein Kindermädchen, 1936. Metal, zapatos, hilo y papel. 14 x 21 x 33 cm. Moderna Museet, Estocolmo, Suecia.

Figura 3: El Bosco de Hieronymous, Alegoría de la gula y la lujuria, 1490. Óleo sobre tabla. 36 x 32 cm. Galería de arte de la Universidad de Yale, New Haven, CT, EE. UU.

Figuras 4-5: Salvador Dali y Luis Buñue, fotogramas de Un chien andalou, 1929. Película.

Figura 6: René Magritte, La traición de las imágenes, 1929. Óleo sobre lienzo. 62,2 x 81 cm. Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, Los Ángeles, Estados Unidos.

Figura 7: René Magritte, Este es un trozo de queso, 1936. Óleo sobre lienzo. 10 x 16 cm, en cúpula y pedestal de vidrio con marco de madera dorada, altura 31 cm, diámetro 25 cm. Colección Menil, Houston, TX, EE. UU.

Figura 8. Meret Oppenheim, Cuadro votivo (Ángel estrangulador), 1931. Tinta china y acuarela. 34 x 17,5 cm. Galerie Renée Ziegler, Zürich, Suiza.

Figura 9: Meret Oppenheim, Un niño con alas chupa el pecho de una mujer en forma de ubre, 1933. Tinta china. 21 x 27 cm. Kunstmuseum, Berna, Suiza.

Figura 10: Meret Oppenheim, Él mece a su esposa, 1938. Óleo sobre cartón. 7 x 14,5 cm. Colección particular, París, Francia.

Figura 11: Meret Oppenheim, boceto de un cinturón, n.d. Tinta y goache sobre papel. 8,4 x 14,9 cm. Ubicación desconocida.

Figura 12: Meret Oppenheim, diseño para collar, 1936. Lápiz, tinta y acuarela. 16 x 13 cm. Birgit y Burkhard Wenger, Basilea, Suiza.


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Solía ​​ser, cuando se trataba de comida, la gente tenía una especie de actitud de simplemente poner la comida en la boca. Este ya no es el caso. Hoy en día hay más material relacionado con la cocina que nunca antes: ¡Libros! Revistas! ¡Zines! Sitios web ¡Libros de cocina! GOOP! Si vive en una de las muchas ciudades del país que se aburguesan rápidamente, probablemente haya un nuevo restaurante en su cuadra cada 15 minutos. En la televisión todos los días hay un nuevo programa de cocina seguido de un programa de competencia de cocina seguido de un bloque de cuatro horas de Rachael Ray hablando con un fantasma del patio trasero sobre las empanadas (inicie sesión en rachaelray.com para ver a Rachael y el fantasma competir para hacer nachos ).

Todo el mundo en el año 2015 con un ingreso disponible y pretensiones epicúreas tiene algo que decir sobre la comida: cómo deberíamos comerla y cómo deberíamos pensar en comerla, y cómo deberíamos pensar en pensar en comerla. Antes de que sientas que tienes que publicar un periódico color cáscara de huevo para repartir en Anthropologie hasta que te echen, ¿por qué no te consuelas leyendo un escritor que no solo impresionará a tus amigos amantes de la comida, sino que te dará lecciones sobre la vida? , amor, miseria y mas? Estoy hablando de M.F.K. Fisher, el mejor escritor gastronómico en lengua inglesa.

Fisher nació en 1908 en Albion, Michigan, y creció en Whittier, California, donde su padre periodista era copropietario de Noticias de Whittier. Pasó un tiempo en Whittier College, UCLA y Occidental College, pero se fue sin un título en 1929 para acompañar a su nuevo esposo Al Fisher a Dijon, Francia. Fue en Provenza, la región y la cocina a la que Fisher volvería una y otra vez en sus escritos, donde descubrió su amor por la comida, una experiencia bien documentada en una de sus exuberantes memorias, Hace mucho tiempo en Francia. Al regresar a California, donde su esposo aceptó un trabajo de maestra en Occidental, se embarcó en una colección de ensayos que se publicaría en 1937 como su primer libro, Sírvelo adelante.

Sería el comienzo de una carrera de varias décadas, durante la cual escribiría con fiereza y elegancia sobre todo, desde su infancia en California hasta la cocina frugal y sus propias luchas emocionales dolorosas. (Dentro de su trabajo hay más de dos docenas de recetas de ostras, que van desde las satisfactoriamente fáciles hasta las peligrosamente complejas). Su obra es una guía de trabajo para una vida bien vivida, incluidas las imperfecciones. Es un modelo para cualquier escritor con aspiraciones. o cualquier lector con papilas gustativas. Ella es, sin lugar a dudas, la persona que más me ha inspirado en mis propios escritos. Si nunca la has leído, hazte un favor y empieza esta semana. Permita que M.F.K. Fisher para que vuelva a lo básico, antes de que la col rizada y el café vertido fueran elementos básicos de la dieta de todas las personas de este lado del Atlántico. Aquí está mi guía de casi todo lo que ha escrito.

Cómo cocinar un lobo

Cómo cocinar un lobo es M.F.K. El tributo de Fisher en tiempos de guerra a comer frugalmente (pero plenamente) en momentos en los que el dinero y los recursos son escasos. Aunque fueron escritos durante la Segunda Guerra Mundial, las lecciones del libro sobre cómo combatir el estómago vacío o entretener a los invitados con un puñado de ingredientes simples y fáciles de conseguir siguen siendo relevantes, hasta la mejor manera de alimentar a su perro o gato cuando tiene preciosos pocos dólares.

“He comido muchas palomas aquí y allá, y sé que la mejor fue una que cociné en un horno holandés barato en una placa de gas de un quemador en un alojamiento miserable. El lobo estaba en la puerta, y no me equivoqué hasta que llené la habitación con el olor a mantequilla caliente y vino tinto, su aliento picante se filtró por el ojo de la cerradura en una nube casi visible ".

A quien Cómpralo Para: Un amigo con una cocina pequeña y un presupuesto reducido, o cualquier persona que conozcas que tenga el ingenio de hacer una "rebanada de jamón al horno" o una comida de un solo plato como Southern Spoon Bread, cualquier persona que haya experimentado hambre pero no alegría simultáneamente durante la Segunda Guerra Mundial. historiador.

Cómo cocinar un lobo

Considere la ostra

Sea honesto consigo mismo: ¿Tiene alguna idea de cómo tienen sexo las ostras? Aprendí sobre la vida sexual de las ostras en el primer minuto de haber aprendido el primer M.F.K. Fisher libro que leí, Considere la ostra. Esta es la más corta de todas las obras de Fisher y es un ejemplo impecable de la prosa delicada e informativa del autor. La primera línea del libro es prueba suficiente:

"Una ostra lleva una vida espantosa pero emocionante".

Las ostras tienden a ser reconocidas por su simplicidad, pero Fisher ofrece más de 20 formas de cocinarlas, en particular Pain d'Huitres, o pan de ostras, que la madre de Fisher solía ocultar con sus amigos en el internado. Leer:

“Se hizo en una hogaza de pan del mejor panadero del pueblo, y la hogaza fue ahuecada y rellena con ricas ostras cocidas, y luego, según el relato vago pero vívido de mi madre, se sujetó la parte superior de la hogaza en nuevamente, y el conjunto se horneó crujiente y dorado en el horno. Luego lo envolvieron con fuerza en una fina servilleta blanca y lo escondieron debajo de una capa de camarera mientras ella corría de la panadería al seminario y subía las escaleras traseras hasta el dormitorio designado ".

A quien Cómpralo Para: Un lector con poca capacidad de atención, un amigo que insiste en hacer la hora feliz de las ostras todos los jueves, un pescador, un amante, guiña un ojo a los fanáticos de David Foster Wallace que no conocen bien sus influencias.

Considere la ostra

Sírvelo adelante

A lo largo de los años, Fisher demostró ser no solo un vívido escritor de memorias y un cocinero apasionado, sino también un erudito ganador de la historia culinaria. Ella tradujo el famoso texto gastronómico de Jean Anthelme Brillat-Savarin La fisiología del gusto fue muy aclamado, pero para el fanático de las trivialidades históricas de comida, nada supera a su primer libro, Sírvelo adelante.

Sobre lo que comían los antiguos egipcios:

“La carne de buey se asaba o hervía, pero muchas clases de pajaritos, e incluso codornices y patos, se salaban y se comían crudos. Y los melones, cada vez más variados, hacían bien los platos más pobres, con uvas, higos, dátiles, cerveza de cebada y vino dulce en grandes jarrones de cerámica vidriados de azul ”.

Una sugerencia sobre qué hacer después de comer pollo de la antigua Grecia narrada en Apicio:

"Para enfriar su paladar enfurecido después de este extraño plato, lo más probable es que le sirvan una copa de vino tinto mezclado con especias y agua de mar".

Quizás el párrafo más hermoso de la historia de la humanidad:

“En Dijon se rellenan pequeñas rodajas de naranja de pan de jengibre con mermelada y se glasean, o se cortan en rodajas varias veces grandes panes cuadrados y se untan con mermelada de albaricoque antes de volver a unirlos. O pasas de Corinto y frutas confitadas se hornean en los panes. O se dejan simples, se cortan en rodajas muy finas y se untan con mantequilla dulce para el té ".

A quien Cómpralo Para: un cocinero interesado en la historia culinaria pero lo suficientemente tolerante como para aprender a través de la comunicación conversacional un viajero tu novio si quieres probar si realmente está tomando las recomendaciones de tu libro (este libro es particularmente bueno para exámenes sorpresa)

Sírvelo adelante (Arte de comer)

El yo gastronómico

Estas son las memorias más hermosas de Fisher y el libro a través del cual la mayoría de la gente la conoce. Contiene algunas de las mejores, más concisas e inimitables líneas sobre la comida, y está tan profundamente arraigada en mi memoria que no puedo comer muchos de los alimentos que Fisher describe en sus memorias sin pensar en ellos exactamente como ella lo ha hecho. los describió.

Las memorias primera linea, sobre mermelada de fresa:

Lo primero que recuerdo haber probado y luego haber querido probar de nuevo es la pelusa rosa grisácea que mi abuela sacó de una tetera llena de mermelada de fresa.

Sobre la comida en el internado:

"No lo recuerdo, porque todo lo que pensamos entonces, o podríamos recordar ahora si alguna vez nos atreviéramos a pensar en todos esos días, fueron las mitades fritas, crujientes y calientes de los pollos jóvenes, rígidas y tentadoras. Podríamos tener todo lo que quisiéramos, incluso tres o cuatro, y podríamos comer con los dedos, gritar y engullir. Fue maravilloso ".

Sobre la preparación de coliflores:

“Allí, en Dijon, las coliflores eran pequeñas y muy suculentas, cultivadas en ese suelo ancestral. Separé las flores y las dejé caer en agua hirviendo durante unos minutos. Luego los escurrí y los puse en una cacerola ancha y poco profunda, y los cubrí con crema espesa y una pizca espesa de Gruyère recién rallado, del tipo gomoso que no venía de Suiza en absoluto, sino del Jura. En el mercado se llamaba râpé y se rallaba mientras usted miraba, en una pila suave y turbia, en su hoja de papel ".

A quien Cómpralo Para: Todo el mundo.

El yo gastronómico

Un alfabeto para gourmets

A es para cenar Solo, P es para Guisantes, Y es para Yak. En un formato que funciona muy bien con los lectores que no han crecido con los libros para niños y con el pragmático que preferiría categorizar las reflexiones coloridas, Un alfabeto para gourmets es el libro más divertido de Fisher. Sin mencionar que toca todos los elementos esenciales: cocinar para los niños, comer kosher, comer en exceso y, por supuesto, zakuski, el término ruso para aperitivos fríos y calientes.

“Hay pocas personas con las que me preocupe rezar, dormir, bailar, cantar o compartir mi pan y vino. Por supuesto, hay ocasiones en las que esto último no se puede evitar si queremos existir socialmente, pero es soportable solo porque no tiene por qué ser la única forma de autoalimentación ".

Esta receta de Frambuesas Romanoff, archivada en V, es para Venality:

“Frambuesas Romanoff

1 pinta de frambuesas cuidadosamente seleccionadas
1 1/2 tazas de crema espesa
1/4 taza de azúcar en polvo
1/4 taza de kirsch

Enfríe las bayas. Batir la nata hasta que quede firme, añadiendo poco a poco el azúcar y el kirsch. Mezclar ligeramente con las bayas, enfriar bien y servir en vasos altos y delgados, con obleas finas sin azúcar si lo desea ".

A quien Cómpralo Para: Un maestro de preescolar con inclinaciones culinarias un nuevo cocinero un amigo que codifica por colores o alfabetiza los libros en sus estanterías.

Un alfabeto para gourmets

Como ellos fueron

Una de las cosas que más me gustan de Fisher es su habilidad para reducir a las personas con sus descripciones perspicaces y declaraciones contundentes. Como ellos fueron, una de sus memorias más directas, cubre a su familia, amigos, maridos e hijos con detalles obsesivos mientras narra su vida desde California hasta Francia y en adelante. Esta memoria también presenta excelentes detalles de primera mano de una comida a bordo de un barco.

"A mi hermana Anne y a mí nunca nos gustó mucho, de una forma o de otra, pero no recuerdo por qué, porque nos leía y no era astuta ni chismosa".

Sobre el logro de un chef a bordo de un pequeño barco:

“Era una réplica, aproximadamente tan larga como el ataúd de un hombre, de la catedral de Milán. Estaba elaborado en azúcar blanco y rosa. Había una luz adentro, por supuesto, y brillaba allí en la cubierta del pequeño barco, temblando en cada arbotante con el oleaje de la tierra mexicana, puro y ridículo y algo en eso me avergonzó ”.

A quien Cómpralo Para: Tu amigo el ensayista o tu amigo el niño problemático.

Como ellos fueron

Hace mucho tiempo en Francia

Fisher pasó una buena parte de su vida viviendo y regresando a Francia, y sus historias sobre los años que pasó en Dijon con su esposo, Al, son las más dulces y las más dolorosas de leer. Su diminuto apartamento, que ella detalla con cariño, está dibujado con tal maestría que el lector puede sentir frustrantemente pequeño y sus discusiones con Al son tan preocupantes como las de una amiga y su esposo. Hace mucho tiempo en Francia es delicado como una cáscara de huevo. Sugeriría leer las memorias de Fisher sobre las de Hemingway. Una fiesta movible cualquier día.

Sobre los placeres de Francia:

“Y en dos minutos mi boca estaba llena de pan fresco y chocolate derretido, y mientras estábamos sentados con cautela, los tres, en la colina helada, mirando hacia el valle donde Vercingetorix había luchado tan espléndidamente, miramos tímidamente y en silencio el uno al otro y sonreí y masticaba una de las cosas más satisfactorias que he comido. Pensé vagamente en la metamorfosis del vino y el pan ".

A quien Cómpralo Para: La francófila, la divorciada o próxima a divorciarse, la mujer independiente, tu amiga que anhela ser Zooey Deschanel.

Hace mucho tiempo en Francia: los años en Dijon (destinos)

M.F.K. Pescador entre las ollas y sartenes por Joan Reardon

¡Ronda de bonificación! Hay una gran cantidad de libros, ensayos y colecciones publicados que conmemoran y elogian a MFK Fisher, además de citarla como una influencia. Mientras que Anne Zimmerman Un hambre extravagante: los apasionados años de M.F.K. Pescador es una inmersión deliciosa en la vida y las letras de Fisher, para los no iniciados, la mirada compacta de Joan Reardon a las cocinas de MFK Fisher es un gran lugar para comenzar.

El libro está ilustrado por Avram Dumitrescu, mostrando con exquisito detalle todas las cocinas y casas en las que Fisher cocinó y vivió. Los retratos (así como las fotografías) son acompañamientos íntimos de historias como esta:

“Debido a que a los estudiantes se les permitió comprar una barra de chocolate todos los días, Mary Frances pudo acumular seis o siete durante la semana. Luego, el sábado, se comía pausada y deliberadamente todas las barras en la soledad de su habitación, a veces alternando un bocado de chocolate con un bocado de galleta salada y otras veces desenvolviéndolas una por una y comiendo lentamente las piezas mientras recostado sobre un montón de almohadas, al estilo sultán ".

En el prólogo de Amanda Hesser, su evaluación de la vida de Fisher es astuta: “A menudo he tenido la impresión de que se deleitaba con las dificultades de un lugar. Solo unas pocas veces en su vida tuvo una cocina con cuatro paredes ". Una emoción adicional del libro de Reardon es que actualizó minuciosamente varias de las recetas de Fisher para el cocinero moderno.

A quien Cómpralo Para: Una ilustración obsesiva un fanático de los libros de regalo y las cocinas pequeñas un lector de biografías con paciencia finita.


4. Almuerzo en París: una historia de amor, con recetas

Lunch in Paris es un libro divertido y placentero, uno que puede devorar en solo unas pocas noches, mientras vive indirectamente las aventuras del joven protagonista con amor, lujuria y comida: ¡mucha comida! ¿Quién no tiene ganas de volar hacia la ciudad del amor y luego enamorarse de un apuesto extraño y de la increíble recompensa comestible del país?


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